Composer un paysage symphonique: la peinture à l'huile 1818 de Caspar David Friedrich, Wanderer au-dessus de la mer de brouillard. Wikimedia Commons

"Celui qui grimpe sur les plus hautes montagnes rit de tous les drames tragiques et de la réalité tragique", a affirmé Valérie Plante. le protagoniste prophétique dans le philosophe allemand Nietzsche Ainsi parlait Zarathoustra.

Richard Strauss, qui avait déjà produit une œuvre orchestrale inspirée de ce livre, a apparemment pris cette injonction à cœur en composant une Symphonie alpine (1915), qui, malgré le titre, est mieux considéré comme le dernier de ses «poèmes sonores».

Les huit premiers poèmes symphoniques, des pièces orchestrales à un seul mouvement avec des titres et des préfaces reliant la musique à la littérature ou à d'autres sujets, ont fait de Strauss l'un des compositeurs les plus célèbres (et controversés) de son époque. Cependant, bien qu'il ait continué à composer jusqu'à sa mort dans 1949, il s'est concentré par la suite sur l'opéra plutôt que sur la musique orchestrale.

En conséquence, An Alpine Symphony marque la fin d'une époque, à la fois pour le compositeur et pour la musique symphonique allemande en général, car après la Première Guerre mondiale, de grandes œuvres romantiques comme celle-ci sont sévèrement démodées. Bien que ce poème de ton ait été achevé alors que les horreurs de la guerre dominaient les nouvelles, il ne suggère aucune prise de conscience de sa situation politique ou historique plus large. Plutôt, une symphonie alpine est restée concentrée sur la représentation d'un paysage à travers la musique.

Inspirations tragiques

Strauss a commencé à travailler sur ce qui allait devenir Une symphonie alpine dans 1900, sous le titre "Tragédie d'un artiste" - une référence au suicide d'un peintre d'origine suisse Karl Stauffer-Bern. Dans la décennie suivante, il mit de côté le projet et échangea apparemment la composition orchestrale pour l'opéra, réalisant un énorme succès sur scène avec le scandaleux Saloméet encore plus sombre Elektra, avant de revenir à une musique plus accessible avec la valse Rosenkavalier.

L'impulsion immédiate pour le retour de Strauss à An Alpine Symphony fut la mort prématurée de 1911 de son ami, le compositeur autrichien Gustav Mahler. Mahler aussi avait fait ses adieux à la tradition symphonique allemande dans sa neuvième symphonie, qui expire exquise dans le néant à la fin du quatrième mouvement.

La Symphonie No.9 de Gustav Mahler.

Même lorsque Strauss a repris le travail sur le projet, son nom était toujours en mouvement. Il a envisagé de l'appeler "L'Antéchrist" (après Le livre de Nietzsche du même titre), car il "représente la purification morale à travers sa propre force, la libération par le travail, [et] le culte de la nature éternelle et magnifique", comme Strauss écrivit son journal en mai 1911. Mais quand ce titre a été abandonné en faveur d'une Symphonie alpine, le lien avec Nietzsche a été obscurci.

Homme contre nature

En surface, la forme finale d'An Alpine Symphony est un portrait sonore d'un protagoniste non identifié qui réussit à conquérir une montagne. À ce stade de sa carrière, Strauss vit au moins une partie de l'année dans la ville de Garmisch (aujourd'hui Garmisch-Partenkirchen), au sud de la Bavière, en vue de Zugspitze, le plus haut sommet d'Allemagne. Strauss aimait se promener dans les Alpes.

Le poème minute 50 ininterrompu contient des parties 22 décrivant une variété de paysages sur la route vers et depuis le sommet de la montagne: le grimpeur traverse les bois, près d'une chute d'eau, à travers les prairies fleuries et les pâturages, à travers les fourrés, et sur le glacier avant d'atteindre le sommet, chacun d'entre eux suggéré par un analogue sonore.

Les changements temporels et climatiques de la nature sont également importants: les événements de la journée sont bordés par le lever et le coucher du soleil, et le randonneur rencontre la brume et la tempête.

L'habileté habituelle du compositeur à représenter des entités non musicales à travers la musique est ici Cascades est un point culminant particulier dans son interprétation imaginative de la pulvérisation de l'eau.

L'interprétation imaginative de Strauss du jet de l'eau.

Pour suggérer le son des pâturages de montagne bavarois, Strauss utilisait des cloches à vache - un instrument qui avait été mis en vedette par Gustav Mahler dans sa Sixième Symphonie.

Le son des alpages de Bavière.

La symphonie de Beethoven no. 6 (connu sous le nom de symphonie pastorale) est à certains égards un précédent pour le travail de Strauss. Les deux compositions comportent un ruisseau, et plus tard une violente tempête suivie d'un calme béatifique. Beethoven, cependant, a affirmé que sa Symphonie contenait "plus d'expression de sentiment que de peinture", et le titre de son premier mouvement ("Éveil des sentiments joyeux à l'arrivée dans le pays") confirme son accent sur le voyage émotionnel de l'expérience du paysage, plutôt que de peindre le paysage lui-même.

Strauss, d'autre part, voulait représenter la nature dans le son, mais aussi montrer le protagoniste humain qui l'expérimente. En ce sens, il va au-delà de Beethoven dans l'audace de ses représentations.

Le grimpeur est introduit dans la troisième section dans un thème stride en gras, qui trace avec confiance un parcours ascendant déchiqueté - jusqu'à ce qu'il se rétracte brièvement quelques barres plus tard, alors que le grimpeur est à bout de souffle.

L'escalade de la montagne

Ce thème a été modelé sur une idée de la finale de Beethoven Cinquième Symphonie, bien que les savants ne l'aient découvert que beaucoup plus tard. Ingénieux, Strauss plus tard retourne son thème à l'envers comme l'alpiniste descend à la hâte à travers la tempête.

La tempête arrive.

Entre les deux, le grimpeur parvient à atteindre le sommet. Ici, Strauss échange la peinture de paysage pour évoquer des sentiments de triomphe qu'il aurait lui-même éprouvés plusieurs fois dans ses errances en montagne.

Encore une fois, l'ouverture de ce nouveau thème est un emprunt, cette fois de la deuxième mouvement du très apprécié Concerto pour violon no. 1. Strauss remodèle librement cette idée dans un passage de sublime magnificence - la musique symphonique à son plus monumental.

Jouer avec l'histoire

Il existe d'autres connexions plus lâches avec la musique précédente. L'ouverture de Le poème de Strauss rappelle l'opéra du Prélude de Richard Wagner, Das Rheingold, le drame d'ouverture de son Cycle de sonnerie en quatre parties.

Les deux œuvres partent d'un endroit calme et tranquille, à partir duquel la musique grandit progressivement en intensité et en vivacité. Les deux compositeurs essayaient de représenter la nature dans sa forme la plus primitive, et la floraison de la vie qui en découle. Fait intéressant, quand un Strauss adolescent a été pris dans une tempête dans les montagnes, il a canalisé l'expérience dans une composition de piano improvisée: "naturellement énorme peinture de ton et smarminess à la Wagner", écrit le 15-year-old, n'étant pas fan de La musique de Wagner à l'époque.

Mais au moment où il a écrit Une symphonie alpine, Strauss avait été un wagnerian portant des cartes pendant de nombreuses années. Il est probable que c'était un hommage délibéré à l'effet que Wagner a créé - bien que les thèmes réels dans les deux passages soient très différents.

Pourtant, une autre sorte d'allusion se trouve dans le passage de prairies fleuries, où les cordes pincées qui l'accompagnent ("pizzicato") et l'écriture de cordes mélodieuses rappellent fortement une texture typique du compositeur allemand Johannes Brahms.

Ouverture du festival académique de Brahms dirigé par le compositeur américain Leonard Bernstein.

Même les œuvres antérieures de Strauss sont revisitées: l'explosion de la vie à la "lever du soleil”In An Alpine Symphony ressemble à l’une de ses précédentes et plus célèbres ouvertures: le début de Aussi Sprach Zarathustra - Où le prophète salue le soleil. Ce passage est devenu emblématique, grâce à son utilisation dans Stanley Kubrick 2001: A Space Odyssey.

Strauss 'aussi Sprach Zarathustra fait une intro mémorable dans 2001: A Space Odyssey.

Et enfin, l'ouverture d'une Symphonie alpine, avec ses échelles descendantes lentes, cite directement depuis le début de Strauss beaucoup plus tôt F minor Symphonie. Ici, Strauss revient à ses débuts pour ce qui s'est avéré être son dernier grand poème symphonique orchestral.

Terre à terre

Alors, que signifient tous ces emprunts et allusions? D'abord, ils cimentent l'image de Strauss en tant qu'héritier des traditions musicales allemandes. Avant de transférer résolument son allégeance à Wagner, Strauss avait subi un bref engouement pour Brahms, et cela aussi avait laissé sa marque. Néanmoins, Strauss n'a pas reproduit les idées antérieures de façon passive dans sa Symphonie alpine. Au lieu de cela, il a transformé et retravaillé un large éventail de sources.

Plus radical encore était l'agenda plus large de Strauss, où il se sépare de ses précurseurs symphoniques. Depuis au moins l'époque de Beethoven, la symphonie avait été traitée comme un genre semi-sacré. Il a été perçu comme ayant une signification métaphysique. L'écrivain et critique ETA Hoffmann l'a exprimé ainsi dans une célèbre critique de la Cinquième Symphonie de Beethoven dans 1810: "La musique révèle à l'homme un royaume inconnu, un monde complètement séparé du monde sensuel extérieur qui l'entoure."

Au cours des dernières décennies, les musicologues Charles Youmans a reconnu le programme de Strauss dans ses compositions orchestrales était délibérément en désaccord avec cela. Il a rejeté ces prétentions métaphysiques, et sa tonalité explicite dans des œuvres comme Une symphonie alpine exprime un ordre du jour plus terre-à-terre. Nietzsche appelé Aussi sprach Zarathustra pour que l'humanité "reste fidèle à la terre; ne croyez pas ceux qui vous parlent d'espoirs d'un autre monde ". Dans la nature, Strauss avait trouvé un objet terrestre digne d'adoration.

Quelques décennies plus tard, Strauss envisageait d'écrire un autre poème symphonique appelé Der Donau (le Danube), un hommage à l'Orchestre philharmonique de Vienne. Mais il n'a jamais dépassé les croquis préliminaires.

Une symphonie alpine reste donc sa dernière production substantielle dans cette arène. Il y a plusieurs façons d'aborder ce travail: on peut se réjouir de la splendeur sonore de sa surface ou admirer comment Strauss a intelligemment réinventé la nature en termes musicaux, ou entendre en adieu une tradition que Strauss lui-même avait subtilement subvertie.

C'est une composition plus complexe qu'il n'y paraît. Et comme il disparaît énigmatiquement dans obscurité nocturneDe même, un chapitre glorieux de la musique symphonique allemande est passé avec ce travail dans l'histoire.

A propos de l'auteur

David Larkin, Maître de conférences en musicologie, Université de Sydney

Cet article a été publié initialement le The Conversation. Lis le article original.

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