Pierre Bonnard  (1867-1947). Wikimedia Commons

«Pourquoi les gens aiment-ils autant Pierre Bonnard?», Demande Adrian Searle, critique d'art au Guardian sa critique de l'exposition actuelle du peintre à la Tate Modern de Londres. Il y a des raisons évidentes: sa couleur riche, sa lumière chaude, son intimité humaine.

Mais je suggère que nous aimions moins Bonnard pour son harmonie (que Searle trouve souvent trop belle) que pour sa dissonance picturale inquiétante. Étonnamment, c'est ce qui est perceptuellement désagréable ou discordant sur le travail de Bonnard qui alimente sa peinture.

Je suis un artiste qui utilise la science et la philosophie pour comprendre comment l'art nous affecte. Mon travail m'a amené à penser que l'art est le plus excitant lorsqu'il crée des états de conflit psychologique, de confusion ou de dissonance. Voici trois façons de voir cela dans le travail de Bonnard.

Qu’est-ce que c’est?

Le premier conflit que Bonnard a infligé à nos sens provient de son utilisation de ce que j'appelle «indétermination visuelle” L'indétermination visuelle se produit lorsque nous sommes confrontés à quelque chose qui défie toute reconnaissance immédiate. Nous avons tous vécu cela, par exemple, en voyant une forme vague dans le coin d'une pièce qui pourrait être un chat ou un sac. Une enquête plus approfondie est souvent nécessaire pour satisfaire notre curiosité.

Les peintures de Bonnard sont pleines de tels moments, évoqués par des passages de peinture suggérant une chose, se révélant être une autre, ou résistant à la classification. Si nous regardons Nature morte avec bouquet de fleurs (ci-dessous), le livre, le vase et la table sont tous très lisibles. Mais qu'y a-t-il dans l'espace derrière? Peut-être un dossier ou une porte, des textiles, une figure humaine à l'extrême droite. C'est difficile d'être sûr.

Nature morte avec bouquet de fleurs ou vénus de Cyrène, 1930, Peinture à l'huile sur toile, 600 x 1303 mm, Kunstmuseum Basel. Image reproduite avec l'aimable autorisation de Tate Modern

L’indétermination visuelle suppose que les images contiennent des objets reconnaissables. Lorsque cette attente est contrariée, nous subissons un degré de dissonance cognitive qui peut être frustrant, voire déplaisant. Mais une œuvre d'art indéterminée n'a pas besoin d'être moins puissante pour cela.

J'ai collaboré avec un neuroscientifique, Alumit Ishai, pour étudier l'effet de œuvres indéterminées sur le cerveau. Nous avons comparé des peintures indéterminées de la mienne à des peintures visuellement similaires mais contenant des objets reconnaissables. Nous avons constaté que plus les gens passaient de temps à regarder un tableau, essayant de déterminer ce qu'il représentait, plus ils le considéraient comme puissant. Il semble que le pouvoir esthétique soit en quelque sorte lié à une ambiguïté de perception.

Conflits de couleurs

La deuxième façon dont Bonnard évoque la dissonance réside dans son utilisation de la couleur. Les couleurs complémentaires se font face. Le rouge, par exemple, complète le bleu, tandis que le jaune complète le violet. En raison du traitement de la lumière par les yeux et le cerveau, des couleurs complémentaires, placées à proximité les unes des autres, risquent de heurter les yeux comme dans la peinture abstraite ci-dessous.

Cercle, gouache sur papier, 2015. Robert Pepperell, 2019

Bonnard exploite souvent cet effet de manière subtile et complexe. Dans Nude in the Bath de 1936-8, nous voyons des traînées de gris-bleu qui se bousculent avec des roses de terre de Sienne brûlées dans la peau du baigneur et une large zone de violet entourant un jaune foncé en haut à droite. Dans beaucoup de peintures de Bonnard, les heurts de couleurs complémentaires, ainsi que la peinture à la texture bruyante, animent la surface et font danser nos yeux sur un air discordant.

Pierre Bonnard, Nu dans le bain, 1936-8. Peinture à l'huile sur toile, 930 x 1470 mm, Musée d'art moderne de la Ville de Paris / Roger-Viollet. Courtsey de l'image de Tate Modern

Bonnard exploite également un autre phénomène optique, que les scientifiques appellent équiluminance. Si nous convertissons la peinture abstraite en monochrome, comme ci-dessous, l'effet vibratoire vif disparaît, mais tout disparaît également.

Cercle, version monochrome. Robert Pepperell, 2019

Bien que le cercle et son arrière-plan soient violemment différents dans la version colorée, le niveau de lumière provenant de chaque zone est égal. Cela confond les parties du cerveau qui traitent la couleur et la luminance.

Nu dans le bain (monochrome). Robert Pepperell de Pierre Bonnard original

Si nous regardons maintenant la peinture de bain en monochrome, nous voyons que Bonnard a également utilisé des teintes d’équiluminants. Dans cette version, la peau est beaucoup plus plate et le choc jaune-violet est réduit à une uniformité grise. Bonnard met en conflit nos sens de la couleur et de la lumière.

Une impossibilité logique

Une troisième manière dont Bonnard pique nos sens est en réalité une caractéristique de tout art figuratif, bien que Bonnard l'exploite avec une habileté exceptionnelle. Les peintures figuratives contiennent une impossibilité logique: nous voyons une chose (la peinture) qui est simultanément une autre chose (ce qu’elle représente).

En regardant nue dans le bain, nous voyons une femme allongée dans une baignoire d'eau ainsi que une feuille de toile tamponnée avec de la peinture. Nous gardons ces deux réalités à la fois séparées et unifiées dans notre esprit, malgré le paradoxe que cela implique.

Dans un étude récente J'ai étudié cette tension entre les couches matérielle et représentationnelle dans les œuvres d'art. J'ai montré comment les dichotomies, les tensions et les contradictions contribuent à l'enthousiasme et à la perplexité que nous pouvons vivre avec l'art.

Par exemple, Bonnard, comme de nombreux peintres modernistes, a tendance à mettre en évidence la «matérialité» de la peinture par la manière dont il l'applique - dans des globs texturés. Dans le Still Life with Bouquet, cela contribue au brouillard de l’indétermination. Dans le nu dans le bain on peut lire les petites touches jaunes sur le sol à droite tous les deux pétales de peinture ainsi que comme des étincelles de soleil.

Pendant ce temps, Waldemar Januszczak, dans sa critique du spectacle, réprimande Bonnard pour sa description maladroite et maladroite d'objets et d'anatomie (il désapprouve aussi son indétermination visuelle). Mais Bonnard était tout sauf incompétent en tant que dessinateur. Sa gaucherie délibérée accentue la dissonance entre les formes que nous sommes censés voir et celles que nous voyons réellement.

Il peut sembler surprenant que la dissonance soit une source de pouvoir esthétique, car nous associons souvent l’art à la beauté et à l’agréable. Mais les peintures de Bonnard, à leur meilleur, induisent un état d'esprit rare: nous sommes à la fois confus sur le plan de la perception, nos sens sont assaillis et nous sommes en conflit sur le plan cognitif. Alors que dans d'autres circonstances, une telle attaque peut nous faire courir un kilomètre et demi, nous sommes tenus pour transfuges.

A propos de l'auteur

Robert Pepperell, professeur, Cardiff Metropolitan University

Cet article est republié de The Conversation sous une licence Creative Commons. Lis le article original.

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