art de haut niveau 10 6

Jay-Z est un collectionneur réputé de l'artiste de rue Jean Michel Basquiat. Garçon et chien dans un Johnnypump, 1982

Des stades aux galeries, la nouvelle frontière de la méga pop star d'aujourd'hui est l'art haut de gamme. La popularité de masse a ses charmes - ventes, tournées mondiales, légions d'adeptes - mais le pouvoir conférant l'héritage de l'art est maintenant le signe ultime de son statut dans la culture occidentale.

Le cri de ralliement de «témoigner moi, l'artiste» est le nouveau mantra de la royauté pop - de Beyoncé, Jay-Z et Lady Gaga à Kanye, et même Rihanna. Pourtant, cette étreinte de l'art est-elle un phénomène qui mérite d'être célébré? Ou, pourrait-on voir plus cyniquement, comme un cas de superstars utilisant l'art pour conférer de la crédibilité à leur travail au mépris de leur propre appel de masse?

Certes, il n'y a jamais eu de frontière claire entre le monde de la pop et de l'art - et pourquoi devrait-il y en avoir? Certains des musiciens les plus créatifs de mémoire récente - David Bowie, Keith Richards, David Byrne, Brian Eno pour n'en nommer que quelques-uns - ont commencé à étudier ou à suivre une formation en arts visuels.

En Australie, les membres du groupe Mental as Anything de 80 se sont rencontrés à l'école d'art de Sydney et Nick Cave a étudié la peinture avant de poursuivre sa musique. Plus récemment, Sia, la fille de l'artiste et professeur d'art d'Adelaide, Leone Furler, est devenue reconnaissable pour les perruques géantes qui couvrent son visage, sa voix remarquable et ses vidéos musicales artistiques mettant en vedette diverses collaborations de danse.


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Nous ne pouvons pas non plus ignorer le phénomène de l'art rock qui a émergé dans les années soixante. Certains des tournants les plus remarquables de l'histoire de la musique ont été attribués au tournant artistique de l'œuvre de The Beach Boys 'Pet Sounds (1966), The Beatles' Sgt. Lonely Hearts Club Band de Pepper (1967), et l'album éponyme de The Velvet Underground & Nico (1967) sous l'influence de la scène New York Factory d'Andy Warhol.

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Alors que l'émergence de l'album concept a pris forme dans les 70, les pionniers de l'ère de la vidéo musicale - Madonna, Michael Jackson et même Prince - ont mieux compris les possibilités visuelles de la chanson pop que nombre de leurs contemporains. Leur travail perdure pour son mélange de musique puissante et de contes évocateurs à travers des vidéos telles que Like a Prayer, Thriller et When Doves Cry.

Mais aujourd'hui, l'histoire est différente. Une chanson, surtout, ne suffit pas. Cela ne veut pas dire que l'image est tout, mais plutôt que l'enjeu dans le monde de la pop dépend de la nouveauté musicale et visuelle. Pour les dirigeants pop d'aujourd'hui, cela signifie de plus en plus de contourner les conseils d'administration des professionnels du marketing à la recherche de la clandestinité artistique.

Faire de l'art de la limonade

Beyoncé album visuel haut de gamme Lemonade, par exemple, amène les auditeurs sur une nouvelle forme audacieuse de récit musical dans le style de Rain Purple de Prince (1984), Moonwalker de Michael Jackson (1988) ou peut-être plus récemment Runaway (35) de Kanye West et Tropico de Lana Del Rey. (2010).

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Pendant des années, Beyoncé a consciemment tenté de se débarrasser de son personnage de Destiny's Child / Top 40. La limonade accomplit cela. À parts égales de haute-art et de haut profil, elle aborde le personnel et le politique, la solitude et la sororité et les blessures émotionnelles de l'infidélité dans le contexte de la course en Amérique aujourd'hui.

Une tapisserie de la chanson, des visuels et des lieux, Beyoncé joue le survivant, une femme en guérison, essayant de faire face aux conséquences émotionnelles d'un amour qui a mal tourné. Avec une grandeur cinématographique, l'album nage dans des visuels évocateurs des pouvoirs mystérieux de la nature (qui ont attiré comparaisons avec le travail de Terrence Malick), et les récits de mots parlés, y compris la poésie de Warsan Shire, écrivain somalien né au Kenya et originaire du Kenya.

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Les références au grand art abondent. Beyoncé infâme séquence de branding de batte de baseball dans la chanson Hold Up rend hommage au travail de l'artiste suisse Pipilotti Rist, dont l'installation vidéo 1997 Ever is over over all vedette une femme marchant dans une rue brisant les vitres de la voiture. Certains ont accusé Beyoncé d'appropriation plutôt que hommage.

L'année dernière, de telles préoccupations ont été exprimées à propos de la vidéo de Drake pour Hotline Bling ce qui était étonnamment semblable aux pièces d'installation de lumière de l'artiste américain, James Turell.

Beyoncé a également collaboré avec L'artiste visuel nigérian Laolu Senbanjo, dont la peinture du corps sacré caractéristiques dans le film.

Observateurs Instagram de Queen Bey, quant à lui, auront remarqué des signes plus tôt cette année de son contact croissant avec le monde de l'art. En collaboration avec le magazine suisse Urs Fischer et Garage, né à New York,Printemps / Été 2016 edition), Beyoncé a offert ses pensées sur l'art via l'application du magazine. Sur sa couverture, elle a été photographiée avec des cornrows, au milieu d'un épais tourbillon de pastels peints par Fischer. Dans l'interview, elle a parlé d'Andy Warhol et de son intérêt pour l'art moderne, nommant certains de ses artistes préférés (Tracey Emin, Kara Walker, Aaron Young et Donald Judd).

Ce qui est intéressant dans cette nouvelle période du travail de Beyoncé, c'est qu'elle s'est réinventée en tant que Benjamin Button du monde de la pop - apparemment en train de devenir plus jeune, moins bourgeoise et plus provocante avec l'âge.

Alors que la plupart ont certainement embrassé sa nouvelle voix, habilitée, d'autres fans, cependant, se demandent si le moins compliqué, Beyoncé radio-amicale reviendra jamais.

Jaune Basquiat dans mon coin cuisine

Dans son propre plaidoyer en faveur de la création artistique de son album 2013, Magna Carta, Holy Grail, les rêves hypercapitalistes du mari de Beyoncé, Jay Z, se mettent en avant. Dans la chanson Picasso Baby, Jay nomme des icônes du monde de l'art (Rothko, Bacon, Basquiat etc).

En hommage à la reine régnante de l'art performance, Marina Abramovic, Jay a adapté son installation (2010) MoMA, L'artiste est présent - dans lequel elle était assise six jours par semaine, sept heures par jour dans une chaise pour un "opéra silencieux".

Jay a fait un performance de six heures de son bébé Picasso à la galerie Pace à New York. Dans la vidéo de ceci, réalisé par Mark Romanek (qui a également fait sa vidéo "99 Problems" et est l'un des directeurs de la limonade de Beyoncé), Jay rappe dans une salle pleine de leaders artistiques et culturels soigneusement sélectionnés allant de l'acteur / réalisateur Judd Apatow au cinéaste Jim Jarmusch à l'artiste Andreas Serrano à Abramovic elle-même.

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Jay-Z et Abramovic étaient en bons termes, jusqu'à une interview avec le magazine Spike, elle a accusé Jay de ne pas avoir respecté son contrat d'affaires, à savoir un don considérable à son nouvel institut d'art de la performance Marina Abramovic dans le nord de l'État de New York. L'accord mutuellement artificiel transformé en une débâcle délicate de relations publiques pour les deux camps. (Les gens de Jay-Z ont plus tard confirmé qu'un don avait effectivement été fait et Abramovic s'est excusé pour l'oubli.)

Ce qui est unique (mais légèrement prévisible) à propos de la célébration du monde de l'art par Jay, c'est la façon dont il fantasme à ce sujet. Picasso Baby rend moins hommage au grand art pour l'art, plus de révérence au butin téméraire de la «bonne» vie. L'art est vénéré comme un signe de pouvoir culturel et de richesse extrême:

Jaune Basquiat dans mon coin cuisine
Allez-y penchez-vous sur cette merde bleue, vous en êtes propriétaire.

Alors que certains pourraient prétendre que Picasso Baby est un «hit de passerelle» qui ouvre les jeunes fans à l'histoire de l'art, finalement, la chanson ne l'embrasse jamais comme autre chose que «l'art consommé par le consumérisme».

Nous ne sommes pas loin ici des observations du critique culturel britannique Matthew Arnold au sujet de l'élitisme de la haute culture. Il est évalué, écrivait-il, sur,

vanité pure ou bien comme un moteur de distinction sociale ou de classe séparant son détenteur comme un badge ou un titre, d'autres personnes qui ne l'ont pas.

De Queen Bey à Rhi Rhi

Récemment, la bad-girl barbadienne Rihanna s'est aussi lancée dans le jeu de l'art. Sur son dernier effort, Anti (2016), les partenariats artistiques sont nombreux: artiste né en Israël Roy Nachum et poète Chloe Mitchell travaillé sur les notes de paquebot, et il y avait assez de producteurs et d'écrivains pour doter leur propre équipe de football.

Images d'album pour Anti (2016).

Le premier single, Work, était très attendu et finalement un scratcheur. Son canoodling avec Drake dans la vidéo de la chanson était prévisible sexy mais a manqué le mystère fiévreux suggéré par la très puissante hallucination Antigone / Oedipal de l'art de couverture. (Sur l'album, une jeune Rihanna - les yeux couverts d'une couronne trop grosse pour sa tête - tient un ballon et est étouffée par une tache rouge sang qu'elle ne peut pas voir).

Avec des chansons comme Woo et Work, il y a une déconnexion flagrante entre la musique et l'image. Sans doute, Rhianna semble-t-elle nager dans les eaux artistiques bien au-dessus de sa tête et ne pas la satisfaire Top 40 fan base non plus.

Pourtant, la vidéo récemment publiée pour Needed Me, (réalisé par indie art renégat Harmony Korine) a un Spring Breakers se rencontre Scarface rencontre le film documentaire Viceland in Miami, faisant de Korine le parfait complice du tournant nihiliste de Rihanna. Avec une histoire simple, mais diaboliquement sombre, Rihanna joue l'assassin élégant et sauvage, en prenant soin des affaires de la seule façon dont elle sait comment.

Pablo fait Picasso

high art3 10 6Kanye West danse pendant la présentation de sa collection de mode lors de la 2016 New York Fashion Week, qui était aussi une soirée d'écoute pour son album 'The Life of Pablo'. REUTERS / Andrew Kelly

Ensuite, il y a Kanye. Les insupportables "think" morceaux sur son dernier album, La Vie de Pablo (2016), les effondrements de Twitter et l'ego-mania ont atteint le niveau maximal de décibels, mais il convient de noter que comme un ancien étudiant d'art, Kanye incarne "comme la curiosité" que le philosophe allemand Frederick Nietzsche discute si tendrement dans beaucoup de ses aphorismes sur l'art et la création.

Dans les interviews, il semblerait qu'il n'arrive pas à réaliser ses rêves sur papier - ou à l'usine - assez vite. Il a également suggéré que les peintures de Picasso, Matisse ont inspiré son travail. Dans une interview 2013 Derrière le masque de Kanye avec le New York Times, évoquant son récent amour pour l'histoire de l'architecture, il se définit lui-même comme «un minimaliste dans le corps d'un rappeur».

Les idoles artistiques de West sont un mélange unique d'artistes / innovateurs européens et américains (Walt Disney, Steve Jobs, George Condo, Pablo Picasso, Marco Brambilla, Vanessa Beecroft, pour ne citer qu'eux) et n'oublions pas sa collaboration avec l'artiste japonais Takashi Murakami pendant sa période de graduation soit).

Pour une récente collaboration avec le cinéaste Steve McQueen, West a ouvert environ avoir son travail vu principalement comme art, ajouter:

J'échangerais tous mes Grammys - ou, peut-être, deux Grammys - pour pouvoir être dans un contexte artistique.

Pour son nouvel album, il a collaboré avec relativement peu connu Artiste belge Peter de Potter pour l'art de couverture. Les influences artistiques de West, les goûts de la mode (Givenchy, Balmain, Raf Simons) et les intérêts du design (The Daily Mail britannique) l'a attrapé revenant d'une réunion avec IKEA en Suède plus tôt ce mois-ci), suggèrent l'esprit d'un explorateur et le sens d'une véritable expérimentation créative.

Vanessa Beecroft, l'une des collaboratrices de West pour ses récentes pièces de mode / performance (les défilés Adidas Yeezus, les tournées Yeezus et quelques projets Art Basel) a parlé positivement de la la liberté artistique qu'il permet sur leurs projets. En effet, la mode américaine a été revitalisée par son seul style de rue. Prendre en compte alignement d'une semaine en dehors de tout magasin libérant de nouvelles éditions de ses chaussures Adidas Yeezus.

La quête inlassable de l'Ouest pour la perfection artistique et les nouvelles formes d'expression visuelle est un avertissement de bienvenue au monde de plus en plus blasé du high art et du rap mainstream. Même s'il se rapproche du blanchiment anal et des mannequins new-yorkais "à la renommée", son obsession de gagner une légitimité artistique élevée a généré certaines des fusions les plus intéressantes de l'art, de la mode et de la musique ces dernières années.

Quand Koons a rencontré Gaga rencontré Botticelli

Bien sûr, il serait impossible de discuter des récentes collaborations pop / high art sans mentionner la version 2013 sous-évaluée de Lady Gaga, ARTPOP. La pochette de l'album présente une collaboration de premier plan avec Jeff Koons, avec des morceaux fracturés de La naissance de Vénus de Botticelli (1484-6) épissés dans le fond.

high art4 10 6Images d'album pour ARTPOP (2013).

Dans les interviews, Gaga semble être très articulé sur le sujet des processus et des influences artistiques.

Elle cite les Lettres de Rilke à un jeune poète source majeure d'inspiration artistique et a une citation de son sur la nécessité de faire l'art tatoué sur son avant-bras gauche supérieur. Avec ARTPOP, son intention était de combler le monde de la pop et de l'art d'une manière que la culture de masse n'a jamais vu auparavant.

Ses chansons puissantes et uniques, comme Artpop et Venus ont réalisé le but. Cependant, les ventes ont été terne. Les critiques ont demandé si elle "Art game" était aussi fort que ses prouesses marketing, avec des chansons trop littérales telles que "Donatella" et "Fashion".

Legacy Building

L'héritage artistique est clairement le nouveau mot d'ordre de la pop. Pourtant, les stars de la pop d'aujourd'hui pourraient vouloir prêter attention à Aristote, dont les observations sur le processus de création artistique sonnent encore vrai. «Le but de l'art, écrivait-il, est de représenter non pas l'apparence extérieure des choses, mais leur signification intérieure».

L'histoire nous enseigne que de nombreuses expériences artistiques s'épanouissent et se fanent. Les vrais artistes de nos jours (quel que soit le médium) créent des œuvres qui se connectent aux complexités de l'âme humaine d'une manière que le matérialisme grossier et le marchandage personnel ne peuvent pas.

Aucune référence artistique ou posture ne remplacera un travail original, inspiré et introspectif.

A propos de l'auteur

The ConversationBlair McDonald, chargé de cours en journalisme, communications et nouveaux médias, Thompson Rivers University

Cet article a été publié initialement le The Conversation. Lis le article original.

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