L'art peut-il vraiment faire la différence?

L'art peut-il vraiment faire la différence?
Toujours de Human Flow, réalisé par Ai Weiwei.
IMDB / Amazon Studios

Dans 1936, Karl Hofer a peint l'œuvre qui résume le mieux le dilemme des artistes allemands dans la première moitié du XXe siècle. Kassandra est une vision sombre de la prophétesse de l'ancienne Troie, condamnée à toujours prévoir l'avenir, et condamnée à ne jamais être crue. Dans 2009, il a été exposé Kassandra: Visionen des Unheils 1914-1945 (Cassandra: Visions of Catastrophe 1914-1945) au Deutsches Historisches Museum de Berlin et son message me hante depuis.

L'exposition comprenait quelques-uns des meilleurs de l'art allemand des 1920, lorsque de nombreux intellectuels, en particulier ceux qui travaillaient dans les arts, prévoyaient l'étendue du cauchemar nazi qui allait devenir la nouvelle norme. Certains ont reconnu ce qu'ils voyaient et ont quitté le pays. La majorité a expérimenté les conséquences de l'incrédulité. La remarque du comédien britannique Peter Cook sur "ces merveilleux cabarets de Berlin qui ont tant fait pour arrêter la montée de Hitler et empêcher le déclenchement de la seconde guerre mondiale"Est souvent cité comme une preuve que l'art est un commentaire futile face à la tyrannie croissante.

Et pourtant, les artistes persistent à défier les connaissances supposées dans leurs tentatives d'éveiller la conscience du monde. Les artistes peuvent devenir des témoins pour la poursuite des crimes de notre temps, tout en permettant à certains spectateurs de voir le monde différemment.

La futilité de l'art?

Avant le début du XXIe siècle, la guerre était le plus souvent décrite comme une entreprise héroïque, alors que la mort était à la fois noble et étonnamment exsangue. Puis est venu Goya avec son Les catastrophes de la guerre montrer toute l'horreur de ce que Napoléon a infligé à l'Espagne. L'art a montré, pour la première fois, la souffrance des individus face à la puissance militaire. Après la guerre de Goya ne pourrait jamais être considérée comme une entreprise vraiment héroïque.

Un siècle plus tard, Otto Dix, qui s'est porté volontaire pour la Première Guerre mondiale et a reçu une croix de fer pour son service sur le front occidental, a été détesté par les nazis pour sa série d'eaux-fortes 1924, Der Krieg (La guerre). Travaillant consciemment dans la tradition de Goya, il a dessiné les évocations les plus intenses des horreurs pleines de ses expériences dans les tranchées sanglantes et boueuses où les fous erraient et où les coquelicots fleurissaient des crânes des morts.

Le dur réalisme de Dix était incompatible avec toute propagande sur la mort comme gloire. Son tableau 1923, Die Trench (détruit pendant la seconde guerre mondiale), a été immédiatement condamné par le parti nazi en tant qu'art "Affaiblit la nécessaire préparation à la guerre intérieure du peuple". Une Cassandra en effet.

L'intensité de la réponse de Dix à ce premier conflit terrible du X XXIXXème siècle est devenue une inspiration pour l'art plus récent sur la guerre et ses conséquences, y compris celle de Ben Quilty et George Gittoes. Quilty's Après l'Afghanistan La série, qui provient de son travail en tant qu'artiste de guerre officiel de l'Australie, présente le traumatisme continu des soldats revenus de l'acte de futilité militaire en cours.

L'art de Quilty et de Gittoes encourage l'empathie avec les individus pris dans la guerre, mais ne remet aucunement en cause les politiques qui mènent à un conflit violent. L'armée australienne maintient toujours notre tradition nationale de combat dans les aventures militaires d'autres personnes.

La futilité de l'art en tant qu'arme de protestation semble être confirmée par la plus célèbre peinture anti-guerre de tous, Picasso Guernica, peint pour le pavillon espagnol de l'Exposition universelle de Paris 1937. En avril, 26, 1937, les forces allemandes et italiennes ont bombardé la ville basque de Gernika pour soutenir la conquête de l'Espagne par le général fasciste Franco. Guernica a été peinte avec toute la force de la douleur brute, par un artiste qui était bien conscient qu'il travaillait dans la tradition polémique de Goya et Dix.

Son échelle gigantesque, dessinée avec une ligne passionnée et peinte avec une peinture délibérément mince et déchiquetée en noir, blanc et gris pour honorer le papier journal qui a d'abord raconté l'histoire, signifie que même maintenant, sur 80 années après qu'il a été peint, il a encore la capacité de choc.

Dans 1938, dans le but d'amasser des fonds pour la cause espagnole, Guernica a visité la Grande-Bretagne où, à Manchester, il a été cloué au mur d'un showroom désaffecté. Des milliers ont afflué pour le voir, mais en vain. Le gouvernement britannique a refusé d'intervenir. Dans 1939, le Franco victorieux a donné à l'Espagne un régime fasciste qui ne s'est complètement terminé qu'avec sa mort dans 1975.

Dans les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale, des reproductions de masse de Guernica avec un message anti-guerre fort ont été accrochées dans les salles de classe du monde entier. Ceux qui l'ont vu faisaient partie de la génération qui a vu les Etats-Unis bombarder le Vietnam, le Cambodge et le Laos.

La crise de notre temps

La grande crise de notre temps, le changement climatique causé par l'homme, a déjà joué un rôle dans les guerres et la famine aux côtés des facteurs sociaux et politiques habituels. L'effet de ces catastrophes a été une migration mondiale massive de réfugiés. Cette diaspora est l'un des thèmes du courant Biennale de Sydney.

Trois des sept lieux de la Biennale sont dominés par le travail d'Ai Weiwei, qui, ces dernières années, a cessé d'utiliser son esthétique iconoclaste pour exposer la corruption en Chine à la détresse mondiale de millions de personnes. Sa sculpture géante, Law of the Journey, évoque les nombreux radeaux échoués sur les rives de la Méditerranée. Certains transportent leur cargaison humaine vers des hôtes hostiles, d'autres échouent sur le chemin. Beaucoup se noient en essayant d'échapper à une sorte d'avenir. Ai Weiwei a placé une foule gonflée de réfugiés anonymes dans son bateau géant, de sorte que le spectateur ait une idée de l'énormité de tout cela.

Bien qu'il s'intègre si bien dans l'espace caverneux du Powerhouse sur l'île de Cockatoo, Law of the Journey était à l'origine un travail spécifique au site pour la Galerie nationale de Prague en Tchécoslovaquie, un pays qui a autrefois envoyé des réfugiés dans le monde et refuse maintenant de les recevoir. Autour de la base du bateau sont des inscriptions commentant les attitudes qui ont conduit à cette tragédie internationale. Ils vont de l'appel de Carlos Fuentes à "se reconnaître en lui et elle qui ne sont pas comme vous et moi", au héros littéraire et politique tchèque Václav Havel.

De 1979 à 1982, quand il était en prison, Havel a écrit lettres à sa femme, Olga. En raison des conditions de son emprisonnement, celles-ci ne pouvaient être ouvertement polémiques. Néanmoins, il a écrit un commentaire remarquable sur la nature de l'humanité moderne, qui a été publié plus tard. Son observation, "La tragédie de l'homme moderne n'est pas qu'il en sait de moins en moins sur le sens de sa propre vie, mais qu'elle le dérange de moins en moins", est convenablement placée ici.

Il y a un sentiment d'ambiguïté dans ce qui est vraiment une pièce d'accompagnement, située dans l'intimité d'Artspace. Une boule de cristal géante repose sur un lit de vestes fanées, jetées sur les rives de Lesbos. Cela implique que le monde est à la croisée des chemins. Les gouvernements et les gens doivent décider quelle direction suivre en temps de crise.

L'art comme témoin

Le film d'Ai Weiwei, Flux humain, présente cette crise d'une manière qui ne peut être niée. Sa première projection australienne à l'Opéra de Sydney faisait partie des festivités d'ouverture de la Biennale de Sydney, mais elle est maintenant distribuée pour diffusion générale. Il est à la fois écrasant dans son impact et délibérément contradictoire en interne.

Il y a de beaux panoramas d'une mer méditerranéenne tranquille - qui ensuite zoomer sur un bateau en caoutchouc rempli de figurines à manches orange, risquant leur vie pour aller à un rêve de l'Europe. Comme les gens sont aidés à terre sur les plages rocheuses de Lesbos, un passager raconte des bateaux qui suivent et sa crainte qu'ils n'arrivent pas à cause des rochers. Beaucoup meurent en mer. Il y a une beauté terrible dans la fumée des champs de pétrole brûlants que l'ISIS a laissés comme héritage à Mossoul, et de magnifiques tempêtes de poussière filmées en Afrique où les changements climatiques continuent de chasser beaucoup de leurs terres.

Pour les Australiens, il y a des échos de la cruauté de notre gouvernement dans les attitudes et les actions des gouvernements de la Macédoine, de la France, d'Israël, de la Hongrie et des États-Unis. Le film affirme qu'aujourd'hui il y a environ 65 millions de réfugiés, dont la plupart vont passer des années 20 sans foyer permanent. Le grand projet humanitaire de l'Europe de l'après-guerre, qui a donné un avenir à ses réfugiés, s'est terminé avec des barbelés, des gaz lacrymogènes et des noyades en mer.

Nous sommes à l'un de ces moments de l'histoire de l'humanité où la réponse simpliste à un problème ne fait que créer un désastre. Retourner les gens aux frontières ou les renvoyer dans une maison dangereuse crée une autre longue marche, ou plus de noyades. Créer une armée de jeunes hommes sans espoir est une recette de recrutement pour ISIS et leurs successeurs. Les personnes qui voient un avenir pour elles-mêmes et leurs enfants sont moins susceptibles de devenir des kamikazes.

Human Flow soutient qu'en fin de compte la responsabilité du problème (et la solution) pour les réfugiés incombe aux présidents et aux parlements qui ne voient pas la nécessité de s'adapter au monde en évolution.

Cet art ne changera pas la politique inhumaine de l'Australie envers les demandeurs d'asile. Le soir de la première de l'Opéra de Sydney, Ben Quilty a demandé à Ai Weiwei s'il pensait que son film pourrait faire la différence. Sa réponse était: "Pour un très court moment, peut-être."

La valeur ultime de Human Flow est comme une déclaration de témoin si jamais les gouvernements sont appelés à rendre compte de leur folie. Ai Weiwei a rassemblé des documents pour montrer à un auditoire de masse qu'il possède les preuves nécessaires pour condamner notre époque de négligence flagrante de l'humanité. Il est un Cassandre moderne, qui dit la vérité au pouvoir à travers l'art. Les puissants admirent alors les qualités esthétiques de son art en le plaçant dans les collections d'art officielles de tous les pays qui préfèrent ne pas voir ce qu'il essaie de dire.

Ponts culturels

D'autres artistes de la Biennale adoptent une approche légèrement différente et peut-être plus subtile. Tiffany Chung, qui a quitté le Vietnam en tant que réfugiée dans le grand exode des 1970, expose également à Artspace. Sa broderie méticuleuse d'une carte du monde trace les itinéraires des boat people du Vietnam et du Cambodge, tandis que la documentation d'accompagnement montre comment ils ont été accueillis avec le même niveau de suspicion que celui qui accueille aujourd'hui les réfugiés.

Les foyers actuels de Chung aux États-Unis et au Vietnam rappellent que les pays qui ouvrent leur cœur aux réfugiés peuvent bénéficier de leur présence et que, à terme, de nombreux conflits aboutissent à la réconciliation. C'est trop demander à l'art de s'attendre à ce qu'il change les politiques gouvernementales ou le destin humain, parce que l'expérience de voir l'art est si individuelle. Il est possible que l'art puisse changer les attitudes des gens à l'égard de la vie, mais cela a plus de chance de se produire sur une base individuelle.

Dans un grand hangar en fer-blanc, haut sur l'île de Cockatoo, Khaled Sabsabi's installation Bring the Silence poursuit une trajectoire qu'il a entamée il y a longtemps - en honorant la tradition créative du soufisme et en l'utilisant comme un chemin entre les cultures. Même avant d'entrer dans le hangar, le visiteur remarque le parfum attrayant des pétales de rose. Dans l'obscurité, l'odeur pulpeuse est presque écrasante, tandis que le sol est recouvert de tapis provenant de cette maison de tout ce qui est bon dans les boutiques du Moyen-Orient, Auburn dans la banlieue ouest de Sydney. Le spectateur est entouré par les bavardages adoucis du bruit de la rue tout en étant séduit par l'intensité de la couleur des écrans géants suspendus et l'odeur des roses.

Bring the Silence est une vidéo de huit canaux avec chaque écran montrant une vue différente d'une tombe de Delhi, le sanctuaire du grand saint soufi, Muhammad Nizamuddin Auliya. Certains hommes jettent des pétales de rose et des étoffes de soie aux couleurs vives sur le monticule qui contient son corps, tandis que d'autres prient. Les femmes et les non-croyants ne sont pas autorisés dans cet espace sacré; Sabsabi a dû demander une permission spéciale pour filmer. Muhammad Nizamuddin Auliya était l'un des saints les plus généreux du Moyen Age qui a vu que l'amour de Dieu conduisait à l'amour de l'humanité et à la dévotion spirituelle combinée à la bonté.

Sabsabi a passé de nombreuses années à explorer cette tradition islamique la plus joyeuse. Pour ceux qui sont chez lui dans la banlieue ouest de Sydney, il montre comment l'art peut franchir les barrières culturelles entre les Australiens musulmans et non-musulmans. Pour les non-musulmans, il ouvre une fenêtre sur un aspect de l'islam à la fois créatif et mystique, mais aussi plus tolérant que l'image de la foi régulièrement dénoncée par les choc-chocs.

Ce même plaidoyer visuel est la raison pour laquelle il n'est pas surprenant de découvrir que Sabsabi expose à Adelaide à Waqt al-tagheer: l'heure du changement. Les artistes, qui s'appellent onze, représentent la diversité de l'Australie islamique alors qu'ils défient les stéréotypes à travers la variété de leur art. Leur stratégie d'exposition est calquée sur celle du collectif autochtone très réussi ProppaNOW, qui pendant les dernières années 15 a collaboré pour projeter les préoccupations et l'art des Autochtones vivant en milieu urbain. Leur succès ultérieur en tant qu'artistes a été à la fois individuel et collectif. Tout aussi important, ils ont supervisé un changement d'attitude quant à ce que pourrait être une personne autochtone.

La transformation à travers l'art ne concerne pas seulement les objets. En Tasmanie, la création excentrique de David Walsh MONA a été crédité comme l'élément le plus important dans la renaissance de la fortune de cet état. Ce n'est pas la seule raison - les îles vertes dans les climats tempérés sont de plus en plus attrayantes à mesure que le monde se réchauffe - mais même les plus cyniques admettront la changements il a travaillé à travers l'art.

La ConversationLes changements que l'art et ses pratiquants font ne sont pas instantanés. Le ministre des Affaires intérieures, Peter Dutton, ne renversera pas son attitude vis-à-vis des réfugiés après avoir vu Human Flow. Mais il n'est pas nécessairement le public cible. Ai Weiwei a écrit: "L'art est une pratique sociale qui aide les gens à localiser leur vérité"Peut-être que c'est tout ce que nous pouvons lui demander.

A propos de l'auteur

Joanna Mendelssohn, professeure agrégée honoraire, Art & Design: UNSW Australia. Rédacteur en chef, Design and Art of Australia Online, UNSW

Cet article a été publié initialement le La Conversation. Lis le article original.

Livres de cet auteur

{amazonWS: searchindex = Livres; keywords = Joanna Mendelssohn,; maxresults = 3}

enafarzh-CNzh-TWnltlfifrdehiiditjakomsnofaptruessvtrvi

suivez InnerSelf sur

facebook-icontwitter-iconrss-icon

Recevez le dernier par courriel

{Emailcloak = off}