Shepard Fairey laisse sa marque dans l'East End de Londres. tim riche et lesley katon/flickr, CC BY-NC-NDIntellectuels, universitaires et artistes jouent un rôle unique dans la société : ils préservent et défendent à la fois la liberté d'expression et la moralité des choix. Les artistes peuvent utiliser leur travail comme un moyen de communiquer des messages de dissidence et d'espoir face à l'injustice, la répression et le désespoir.

Pendant ce temps, les personnes au pouvoir qui cherchent à contrôler l'opinion publique considèrent généralement la liberté de pensée et d'expression intacte comme une menace.

Mais dans tout système capitaliste, il est difficile de survivre en tant qu'artiste à plein temps. Les artistes doivent être industrieux pour vivre de l'art et peuvent choisir de travailler avec des organisations gouvernementales ou des sociétés pour compléter leurs revenus.

C'est ce que j'ai qualifié de «dilemme de l'artiste»: comment coopère-t-on avec une grande entité tout en assurant une base morale? En d'autres termes, qu'est-ce qui constitue la «liquidation», sans doute la pire insulte que l'on puisse faire à un artiste?

C'est un problème qui est apparu au premier plan, surtout pour les artistes de rue, qui semblent collaborer de plus en plus avec les entreprises et les entreprises. Les entreprises cherchent souvent à cultiver des artistes afin d'améliorer leur image de marque, et l'art de la rue peut avoir pour effet de rendre un produit plus authentique, nerveux et audacieux.

Récemment, un blogueur et un groupe d'artistes avoir un partenariat avec Amazon produire et vendre une série de tirages en édition limitée, et le réseau USA a commandé des artistes promouvoir une nouvelle série télévisée en produisant des publicités qui ressemblent à des œuvres authentiques du street art.

Pendant ce temps, dans certains cas, les frontières entre l'activisme politique et la marchandisation se sont estompées. Plus tôt cette année, l'artiste de rue Gilf! fait la une des journaux pour l'emballage de ruban adhésif jaune avec les mots "Gentrification en cours" autour de bâtiments à volets dans toute la ville de New York. Mais la bande de prudence peut maintenant être eu pour le prix de 60 $ US.

En réponse à ces tendances dans le monde de l'art de la rue, certains réclamer que le genre - en particulier, ses festivals - ont "vendu". D'autres font l'argument déroutant que ce débat est dépassé parce que le genre du street art est reconnaissable depuis les 70 et 80.

Ce qui est évident, c'est qu'avec la croissance du contrôle des entreprises sur les espaces publics – avec la tentative incessante des personnes morales de marchandiser tout et n'importe quoi – le débat sur l'art de la rue et le « bradage » des artistes n'est pas seulement pertinent, il est nécessaire.

Le dilemme du prisonnier: une analogie

Afin d'aborder méthodiquement cette question, il est utile de la regarder à travers le prisme de The Prisoner's Dilemma, un jeu analysé à l'aide des principes de la théorie des jeux.

Le dilemme du prisonnier, développé par les mathématiciens Merrill Flood et Melvin Dreshner, est une analyse d'une situation hypothétique. La police appréhende deux complices pour un délit mineur, mais ils sont soupçonnés d'un délit plus grave. La preuve de l'infraction la plus grave, cependant, est circonstancielle. La police a besoin de leurs aveux pour condamner.

A cet effet, les complices sont séparés et individuellement présentés avec les options suivantes : couiner sur votre partenaire et se libérer (et être absous du moindre crime) or restez silencieux et risquez que votre partenaire vous crie dessus, auquel cas vous obtiendrez la peine de prison maximale pour l'infraction majeure.

Mais il y a deux autres scénarios possibles : si les deux détenus crient, ils écopent chacun d'une peine intermédiaire. Enfin, si les deux détenus gardent le silence, ils seront jugés pour la moindre infraction et pourraient quand même finir en prison.

Études montrer que bien que la théorie des jeux prédise que le choix rationnel pour chaque prisonnier (dicté par l'instinct de conservation) est de couiner sur son partenaire, la plupart des humains tenteront de rester au moins une fois fidèles à leur partenaire avant de les abandonner, ce qui démontre la tendance des humains à valoriser les liens sociaux.

 Le dilemme du prisonnier.

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Le dilemme de l'artiste

Alors qu'est-ce que cela a à voir avec les artistes, leur art et l'idée de vendre?

Appliquons une approche similaire «deux par deux» au dilemme de l'artiste.

Beaucoup d'artistes utilisent les rues comme espace publicitaire pour leur art; ils considèrent le public comme des clients potentiels et sont fiers des partenariats d'entreprise, ce qui peut être très lucratif.

Dans ce cas, aussi longtemps que les artistes sont clairs sur leur objectif primordial - la promotion des ventes dans un marché capitaliste - ils ne peuvent pas. "Se vendre" Dans un sens, ces artistes sont des versions plus petites entreprises commerciales qui utilisent l'espace public pour annoncer leur produits (souvent sans avoir à payer pour l'espace).

Dans le même temps, les artistes qui ont une quelconque présomption morale guidant leur travail doivent assumer certaines responsabilités. D'une part, s'ils reçoivent un financement d'une entreprise ou d'un organisme gouvernemental, ils doivent faire des recherches sur les programmes respectifs de chaque entité. Cela pourrait simplement signifier faire des recherches de fond sur Internet, mais cela pourrait également impliquer de communiquer avec l'organisation elle-même et de lui demander ce qu'elle représente, ce à quoi elle s'oppose et quels sont sa mission et ses objectifs.

Si, après une recherche adéquate, l'agenda de l'entité coïncide avec celui de l'artiste, l'œuvre est moralement casher.

Cependant, l'éducation comporte également un risque : si l'artiste découvre que l'entité est moralement corrompue, du moins selon sa définition, c'est l'obligation de l'artiste de renoncer à l'opportunité financière afin de conserver un terrain moral.

Si l'artiste a trouvé que l'organisation est moralement corrompue et toujours choisit de travailler avec - eh bien, l'artiste est, par définition, en train de vendre.

Il y a un autre résultat: l'artiste peut choisir de rester ignorant et de travailler avec n'importe quelle organisation uniquement pour l'argent. Si l'artiste a de la chance, l'organisation s'avère moralement saine. Cependant, si l'organisation s'avère moralement corrompue, l'artiste ne peut pas simplement plaider l'ignorance quand on l'appelle un sellout.

Plaider l'ignorance, bien sûr, n'excuse pas l'artiste des conséquences de la collaboration avec une organisation moralement corrompue. À tout le moins, il ou elle doit assumer la responsabilité après le fait.

Les organisations et les sociétés impliquées dans les arts ont également une responsabilité morale. Ils doivent être transparents au sujet de leurs politiques et de leurs agendas politiques afin que les artistes puissent prendre des décisions éclairées et n'aient pas à faire tout le travail eux-mêmes.

L'affaire Shepard Fairey

Shepard Fairey (connu pour son slogan emblématique OBEY) est l'un des artistes de rue les plus renommés au monde. Mais en plus de son travail dans la rue, Fairey dirige une entreprise de conception graphique florissante qui s'adresse aux grandes entreprises, dont certaines avec une moralité douteuse, comme Nike et Saks Fifth Avenue. (Pour une liste complète, cliquez sur ici.)

Dans une interview avec un critique d'art Stephen Heller, L'artiste justifie ses relations avec les sociétés en déclarant:

si elle n'était pas fournie aux corporations par moi, alors elle serait fournie par d'autres concepteurs affamés.

Selon cette déclaration, il est évident que même si Fairey est conscient des agendas moraux discutables de certaines des sociétés qui lui commandent, il faut encore leur argent.

Alors est-il un sold-out? Pas selon la définition de Fairey de vendre.

In un entretien, Fairey définit la vente comme « compromettre vos valeurs pour se plier au plus petit dénominateur commun ».

Dans un autre, il élabore: "Pour moi vendre est de faire des choses purement pour l'argent sans se soucier des conséquences pour l'intégrité."

Et dans son nouveau livre Couvert à ouvert, Fairey détaille ce qu'il appelle sa stratégie de travail "intérieur / extérieur":

... faire des choses à ma guise en dehors du système quand cela est nécessaire, tout en saisissant les occasions d'infiltrer le système et d'utiliser ses machines pour répandre mon art et mes idées, dans l'espoir de changer le système pour le mieux dans le processus.

Ici, Fairey adopte une approche à la Robin des Bois : s'inspirant des sociétés exploiteuses et utilisant son art commandé pour réduire leur influence, par exemple, sensibiliser à la guerre.

Les relations de Fairey avec les entreprises relèvent des définitions de la vente, comme le souligne le dilemme de l'artiste. Et on doit se demander quelle influence les entreprises ont sur l'art et les messages de Fairey – sûrement le travail de commande, mais aussi ses œuvres de rue.

Néanmoins, il is il est indéniable que ces tractations lui ont permis de consacrer beaucoup de temps et de ressources à la mise en place d'œuvres dans la rue qui soutiennent des causes progressistes, non commerciales (voire anti-commerciales). Ainsi, afin d'évaluer si Fairey se vend ou non, il semble que l'on doive peser l'influence des intérêts des entreprises sur son travail par rapport aux avantages des œuvres de Fairey dans la rue.

L'exemple de Fairey démontre les limites de l'application d'une théorie simple à deux par deux comme critère général. Néanmoins, le dilemme de l'artiste peut servir de cadre à cette discussion importante: il démontre sans équivoque que les artistes doivent être transparents et responsables. Ils ont la responsabilité de forger des alliances morales avec les employeurs qui pourraient avoir des agendas potentiellement conflictuels.

A propos de l'auteur

Yoav Litvin, chercheur postdoctoral, Université Rockefeller. Il s'intéresse à la promotion de causes créatives et progressistes en mettant l'accent sur la documentation de la culture urbaine, des arts et des peuples.

Cet article a été publié initialement le The Conversation. Lis le article original.

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